Всеобщая история искусств и культуры

10 ВЕЛИКИХ СКУЛЬПТОРОВ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ Скульптура эпохи Возрождения понимается как процесс восстановления жанра скульптуры классической античности. Скульпторы считали художественные находки античной эпохи идеальным источником вдохновения для своих работ. Возрождение античности с отказом от средневековья и признание классики со всеми её вариантами и нюансами было явлением почти исключительно развитым в Италии. Искусство Возрождения сумело интерпретировать Природу и вольно и со знанием дела перевести её в великое множество шедевров. Расскажем о десяти самых, на наш взгляд, значительных скульпторах эпохи Возрождения. 1. Никколо Пизано Настоящее имя неизвестно (около 1220 — между 1278 и 1284 [прожил 60-63 года]) — архитектор и скульптор Проторенессанса, основатель школы итальянской скульптуры. Отец скульптора и архитектора Джованни Пизано. Родился в Апулии, позже работал в Тоскане, Лукке, Пизе, - в честь которой и получил своё имя. Около 1255 года Пизано получил заказ на кафедру для баптистерия в Пизе. Работу выполнял с несколькими помощниками. Эта первая подписанная скульптором работа считается одним из его шедевров, в ней Пизано удалось сочетать библейские сюжеты и мотивы классического позднеримского стиля. Также особенно известна его кафедра для Сиенского собора. 2. Джованни Пизано Джованни Пизано (итал. Giovanni Pisano) (ок. 1250 – ок. 1315 [прожил около 65 лет]) — итальянский скульптор и архитектор. Сын и ученик Никколо Пизано, один из деятелей Проторенессанса, он стал гораздо более известным скульптором, чем его отец. Стиль Джованни Пизано отличается большей свободой и динамичностью, он показывает фигуры в движении и использует различные средства драматизации, его скульптурам присущи резкие повороты и угловатые очертания. Джованни работал вместе с отцом, и при его участии была создана кафедра для городского собора в Сиене, а также фонтан Фонте Маджоре в Перудже. Первая самостоятельная работа Пизано — скульптурная декорация фасада пизанского баптистерия (1278—84). Впервые в Тоскане монументальная скульптура была органично включена в архитектурный проект. Необычайная живость пизанских скульптурных изображений являет собой противоположность спокойной безмятежности скульптур его отца. В 1270—1276 годах Пизано посетил Францию. В большинстве его произведений заметно влияние искусства французской готики. 3. Донателло Донато ди Никколо ди Бетто Барди (годы жизни 1386-1466 [прожил 80 лет]) – считается крупнейшим ваятелем периода кватроченто. Родился во Флоренции, в Риме изучал классическую скульптуру, что определило всю его дальнейшую карьеру. Он создал одни из первых полноценных скульптур эпохи Возрождения в истории, в ранних работах можно отчётливо увидеть переход от готического искусства к ренессансному. Донателло работал с самыми разными материалами, включая камень, бронзу, дерево, глину, лепнину и воск. Он разработал особый тип низкого барельефа, который часто украшал большие памятники. Донателло был сподвижником Брунеллески, но если тот представлял интеллектуальную и идеализирующую тенденцию, то Донателло являл драматическую и реалистическую. 4. Микеланджело Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (годы жизни 1475-1564 [прожил 89 лет]) – был одним из многочисленных эрудитов, живших в эпоху Возрождения. Его смело можно назвать универсальным человеком, потому как он преуспел во многих областях искусства. Микеланджело более всего любил работать с мрамором, именно из мрамора он создал одни из самых удивительных скульптур из когда-либо сделанных человечеством. Его скульптура «Пьета» и огромная статуя «Давида» входят в число величайших мировых сокровищ. Ещё при жизни ему дали прозвище «Божественный». 5. Андреа дель Верроккьо Андреа дель Верроккьо, настоящее имя которого Андреа ди Микеле Чони (годы жизни 1435-1488 [прожил 53 года]) – всемирно известен как один из первых учителей и наставников Леонардо да Винчи. В основном Верроккьо знали как скульптора, но также он был и опытным живописцем, считался непревзойденным декоратором и режиссёром придворных празднеств. В 1465 году он создал надгробие Козимо Медичи (1389—1464). В 1467—1483 годах работал над скульптурной композицией «Уверение Фомы (Верроккьо)» для церкви Орсанмикеле. По легенде, Леонардо, будучи учеником, позировал учителю для статуи Давида (1476), на лице которого играет своеобразная полуулыбка, впоследствии ставшая отличительной особенностью стиля художника. 6. Филиппо Брунеллески Филиппо Брунеллески (годы жизни 1377-1446 [прожил 69 лет]) –учёный, архитектор, скульптор, инженер, математик и геометр, художник-ювелир и декоратор эпохи Возрождения. Наряду с Леоном Баттистой Альберти является создателем новой европейской архитектуры, однако, в отличие от Альберти, своего младшего современника, опиравшегося на памятники Древнего Рима, Брунеллески следовал северо-итальянской, тосканской традиции. В свободное от других дел время он успел создать несколько шедевров скульптуры Брунеллески создал несколько статуй из дерева и бронзы. Жизнь сталкивала Брунеллески в соперничестве с Донателло, отчего Брунеллески позже оставил скульптуру ради архитектуры. Некоторые из его самых известных работ находятся внутри Кафедрального собора Святого Зенона, что в итальянском городе Пистойя. 7. Лоренцо Гиберти Лоренцо Гиберти, настоящее имя которого Лоренцо ди Бартоло (годы жизни 1378-1455 [прожил 77 лет]) – флорентийский скульптор, большую часть времени творил в своём родном городе. 1401 год - важная дата в развитии скульптуры: во Флоренции объявлен конкурс на изготовление северных ворот Флорентийского баптистерия. Несколько десятков лет Гиберти работал над бронзовыми дверями и выиграл конкурс. Главным его соперником в конкурсе был Брунеллески, тоже представивший свою версию ворот. Микеланджело назвал эти двери «Вратами Рая». Безусловно, они являются самой известной работой мастера, впоследствии двери были воспроизведены и в других городах нашей планеты (копию можно увидеть и в России, в Казанском соборе в Санкт-Петербурге). 8. Нанни ди Банко Джованни ди Антонио ди Банко, прозванный Нанни ди Банко (итал. Giovanni di Antonio di Banco detto Nanni di Banco; ок. 1384 -1421, родился и умер во Флоренции) — итальянский скульптор периода кватроченто эпохи итальянского Возрождения флорентийской школы. Вместе с Донателло считается одним из главных мастеров, совершивших переход от готических традиций к новой, ренессансной манере. Его произведения «характеризуются сдержанной, но прекрасно видимой энергией и жизненной силой». Нанни ди Банко принадлежит авторство трёх основных скульптурных групп церкви Орсанмикеле. Нанни ди Банко работал вместе с Донателло по украшению статуями и рельефами флорентийского Собора, одновременно содержал собственную скульптурную мастерскую во Флоренции. 9. Бенвенуто Челлини Бенвенуто Челлини (годы жизни 1500-1571 [прожил 71 год]) – был довольно противоречивым творцом позднего Возрождения. Дабы избежать тюремного заключения, ему пришлось несколько раз убегать из одного города и селиться в другом. Именно поэтому он сначала оказался в Риме (столица Италии), а потом и вовсе очутился во Франции. Именно в новой для себя стране для короля Франции – Франциска I – он создал «Солонку Челлини» (1540-1543 годы). Это тонкое произведение искусства свидетельствует о его ещё и ювелирном таланте. Вернувшись в родную Флоренцию, он навсегда сделал себе имя произведением под названием «Персей с Головой Медузы» (1545-1554 годы). 10. Лука делла Роббиа Лука делла Роббиа (годы жизни 1399-1482 [прожил 83 года]), флорентийский скульптор, ювелир и мастер-керамист периода кватроченто, которого историограф Джорджо Вазари назвал изобретателем глазурованной расписной керамики — майолики. Произведения семейной мастерской Луки, его племянника Андреа и сына Андреа — Джованни делла Роббиа во Флоренции сыграли важную роль в архитектуре, скульптуре и искусстве цветного глазурованного керамического рельефа тосканского Возрождения. Современник выдающихся скульпторов этой эпохи, таких как Донателло и Лоренцо Гиберти, Лука делла Роббиа смог по-своему воплотить новую эстетику ренессансного искусства в полихромной глазурованной керамике, хорошо сочетающейся с архитектурой. . Его наиболее заметной работой здесь является хоровая галерея или же «Кантория» во Флорентийском Кафедральном соборе. Над этим шедевром мастер трудился целых семь лет – в период с 1431 по 1438 годы.

5 февраля 1872 года родился сэр Уильям Ньюзем Приор НИКОЛСОН (в Ньюарк-он-Тренте, графство Ноттингемшир), английский художник, график и детский писатель. * * * * * Выходец из семьи фабриканта, он живопись изучал в художественной школе Губерта фон Геркомера. Совместно со своим шурином Джеймсом Прайдом, Николсон открывает художественное ателье, в котором выпускались великолепные графические работы и ксилографии, предназначенные для плакатов в стиле модерн. Николсон и Прайд стали новаторами плакатного дела в Англии конца XIX столетия. Им принадлежит идея уменьшения до минимума размеров текста на листе с тем, чтобы как можно выгоднее подать изображение. Художники упростили проведение линий рисунка и уменьшили количество используемых цветов. Работы Николсона и Прайда оказали влияние на развитие плаката в Германии и Франции начала XX века. После 1900 года Николсон всё больше внимания уделяет живописи. На художественных соревнованиях во время Олимпийских игр в Амстердаме (1928) он завоёвывает золотую медаль в области графики. В 1936 году художник был посвящён в рыцари. Уильям Николсон был также известен как книжный иллюстратор и автор детских романов. Занимался созданием цветных витражей в церквях. При жизни был меценатом, поддерживал более 40 благотворительных организаций, особенно тех, которые посвящены заботе о детях. Он прекрасно играл на классической гитаре, научился танцевать фламенко. Скончался Уильям Ньюзем Приор НИКОЛСОН 16 мая 1949 года в Блоубери (графство Беркшир). Все события или #Ваш_День_Рождения_5_февраля #

4 февраля В 1816 году родился Владимир Иванович ГАУ (в Ревеле; ныне Таллинн), русский художник-портретист, работавший по преимуществу в жанре акварели и, наряду с Петром Соколовым и Александром Брюлловым, создавший портретную галерею высшего общества Российской Империи. Он один из ведущих мастеров камерного акварельного портрета в России первой половины – середины XIX века. Именно Владимир Гау «широко развил акварельную практику». * * * * * Выходец из семьи прибалтийского художника Иоаганна Гау, который и был ему первым учителем, он в дальнейшем обучался у бывшего придворного художника Карла фон Кюгельхена. Настоящий успех выпал на долю Владимира, когда в 1832 году в 16-летнем возрасте ему представился случай написать портреты великих княжон. Тогда-то он и получил рекомендательное письмо к профессору Императорской Академии художеств Александру Зауервейду. В 1836 году с большой серебряной медалью и званием неклассного художника Гау покинул Академию художеств. Двумя годами позже он отправился за границу, в Италию и Германию. К началу 1840-х годов Владимир Гау – абсолютно сложившийся мастер европейского уровня с ярким индивидуальным почерком. Возвратившись в 1840 году в Россию, он получил должность придворного живописца и в течение 30 лет выполнял заказы общества, близкого двору. Художник пишет многочисленные портреты Николая I, императрицы Александры Федоровны, великих княжон, дает уроки рисования особам императорской фамилии. В 1849 году за портреты великой княгини Марии Николаевны с детьми и её супруга герцога Максимилиана Лейхтенбергского – президента Академии художеств – он был утвержден в звании академика акварельной живописи. Скончался Владимир Иванович Гау 11 марта 1895 года в Санкт-Петербурге, похоронен на Смоленском кладбище. * * * * * Творчество художника представлено во многих музейных собраниях: в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А.С. Пушкина и др. В 2009 году Государственный музей Эрмитаж приобрёл на аукционе «Christies» 92 акварели русских художников из собрания парижской галереи «Popoff», в числе которых около 30 работ – кисти Владимира Гау. К ним относится превосходный портрет Натальи Николаевны Пушкиной, портреты представителей императорского дома, а также автопортрет художника.

4 февраля В 1829 году родился Густав Леонард де ЙОНГЕ (в Кортрейке), бельгийский живописец, сын пейзажиста Жана-Батиста де Йонге. В юности проявлял замечательные способности в игре на скрипке, из-за чего отец хотел сделать из него музыканта. Однако, чувствуя ещё большое влечение к живописи, молодой де Йонге решился посвятить себя этой отрасли искусства. Он учился у профессора Навеса в Брюсселе, пользуясь также советами и поддержкой знаменитого Луи Галле и стипендией от городского управления. Когда ему было 15 лет, умер его отец, после чего Густав Леонард де Йонге получил стипендию от городского управления своего родного города. С 1848 года он принимал участие в выставках в Брюсселе. Художник пробовал свои силы в портрете, в священной истории и историческом жанре, пока, наконец, не посвятил себя исключительно воспроизведению сцен домашней жизни женщин и детей среднего сословия. Этот род живописи дал ему большую известность, особенно после его переезда в 1860 году в Париж. Из произведений де Йонге, написанных им с большим вкусом, грациозных, выразительных и свидетельствующих о редкой наблюдательности художника, можно отметить как лучшие: «Сиротки и их бабушка» (картина, за которую художник получил на Парижском салоне 1863 года золотую медаль), «Благочестие» (1864), «Игра в прятки», «Выздоравливающая», «Поздравление с днём рождения», «Дама перед зеркалом», «Урок музыки» и «Отдых по возвращении из церкви». Из-за наступления слепоты живописец в 1882 году закончил свою художественную карьеру. Скончался Густав Леонард де Йонге 28 января 1893 года в Антверпене. Все события или #Ваш_День_Рождения_4_февраля #

Художественный ликбез.🍂Михаил Нестеров: духовные искания и традиции в Русской живописи конца XIX — начала XX века. 🍂Михаил Нестеров — один из ярчайших представителей русского искусства конца XIX — начала XX века, которому удалось соединить традиции иконописи с новыми художественными течениями. Его творчество, наполненное глубоким духовным смыслом и чувством родины, оставило сильный след не только в русской живописи, но и в культурной истории страны. Его картины не только запечатлели важные моменты русской истории, но и раскрыли тайны человеческой души, обнажая внутренние миры героев и их связь с духовными ценностями. 🍂Корни таланта: влияние семьи на становление художника Михаил Васильевич Нестеров появился на свет в мае 1862 года в городе Уфа в семье купцов, которые были глубоко религиозными людьми и придерживались традиционных ценностей. Глава семьи художника, занимавшийся продажей галантерейных и текстильных изделий, больше интересовался историей и литературой, а не торговлей. Он всячески поддерживал творческие начинания своего сына, за что тот был ему очень признателен. 🍂Творческий путь Михаила Нестерова: от гимназиста до классика живописи С рождения мальчик проживал в городе Уфа и получал образование в гимназии. В 1874 году родители отправили его в столицу, чтобы он стал студентом технического колледжа. Но, к сожалению, на вступительных экзаменах юноша не смог показать свои знания, и ему пришлось выбрать другой путь — поступить в реальное училище К. П. Воскресенского. В возрасте 15 лет, по рекомендации наставника, Михаил начинает учебу в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Здесь, под началом В. Г. Перова, он развивает свой собственный творческий стиль. С 1884 года Нестеров начал создавать исторические жанровые полотна и заниматься созданием визуальных образов к текстам известных русских писателей. В 1885 году за картину «Избрание Михаила Фёдоровича Романова на царство»(фото 2) он получил звание свободного художника.На картине запечатлён момент, когда в Троицком соборе Ипатьевского монастыря происходит торжественное событие — возложение царского венца на Михаила Романова. Рядом с будущим царём находится его мать, принявшая постриг, — инокиня Марфа. Это произведение искусства по праву считается одним из жемчужин коллекции Третьяковской галереи. А уже в следующем году за картину «До государя челобитчики» (1886 г) (фото 3) получил звание классного художника и Большую серебряную медаль. На картине изображён момент, когда царь в светлых одеждах выходит из полутёмной комнаты — возможно, из молельни или личных покоев. Его сопровождают бояре. В это время к нему спешат люди, желающие подать прошения — челобитные. 🍂Вдохновение в Троице-Сергиевом Посаде Спустя два года летом художник проводил время в Сергиевом Посаде. Во время церковных служб его внимание привлек монах по имени Гордей, который неизменно находился слева у клироса. Нестеров решил запечатлеть монаха не в привычной церковной обстановке, а в уединении с природой. Однако художник долго не решался подойти и попросить его позировать, и вскоре монах исчез. Нестерову сообщили, что «пустынник» скончался. Михаил Нестеров - Пустынник, 1888 г. (фото 4) Однажды Михаил Васильевич снова увидел своего знакомца в церкви, и новость о его смерти оказалась ошибочной. Несколько дней художник уговаривал его, убеждая, что в этом нет ничего греховного, и, наконец, монах согласился стать моделью. Таким образом, этюд для отшельника был готов. Нестеров начал работу над картиной в Москве, но процесс продвигался медленно. Лишь вернувшись к родителям в Уфу, он смог завершить полотно. Родные стены помогли! 🍂Сергий Радонежский: вдохновение Нестерова В 1889 году на XVIII Передвижной выставке была представлена первая значительная работа Нестерова — «Видение отроку Варфоломею». Это полотно сразу же вызвало большой интерес и стало настоящим открытием. Картина привлекла внимание зрителей своим захватывающим сюжетом: юный Варфоломей переживает видение, в котором ему является святой Сергий Радонежский. Нестеров с большим мастерством передал внутренний мир своего героя, используя свет и цвет для создания эмоционального напряжения. Эта работа не осталась незамеченной Павлом Третьяковым, который приобрёл её для своей галереи. Это стало началом успешной карьеры художника. "Видение отроку Варфоломею" (1889 г) (фото 5) стало отправной точкой в цикле работ, посвящённых Сергию Радонежскому, который оставался дорог сердцу Нестерова на протяжении всей его жизни. Наиболее известной из 15 значительных произведений, посвящённых святому, является триптих «Труды преподобного Сергия», написанный в 1896–1897 годах.(фото 6) В центральной части картины художник изобразил Сергия Радонежского в молодом возрасте, полным сил и энергии. Он занят распилкой большого дерева. Это символизирует важный этап в жизни святого: по благословению Константинопольского патриарха Филофея и митрополита Московского Алексия, монастырь преподобного стал общежительным. Тогда святой начал строить на горе Маковец общие здания: трапезную, пекарню, кладовые и амбары. 🍂Нестеров и его вклад в церковное искусство В 1890 году картину «Отрок Варфоломей» увидел профессор Адриан Прахов, который отвечал за роспись Владимирского собора в Киеве. Он был настолько впечатлён талантом художника, что пригласил Нестерова работать в соборе. Михаил Нестеров - эскизы для Владимирского собора в Киеве (слева направо): "Святая равноапостольная княгиня Ольга", 1893 г.; "Воскресение", 1890-е; фреска "Богоявление", 1891 г.(фото 7) Нестеров работал над церковными росписями более двух десятилетий, создавая множество работ, вплоть до оформления дворцовой церкви Александра Невского в Абастумане (Грузия), которую он продолжал украшать до 1903 года. Здесь художник создал более 50 композиций, в которых отображены сцены из жизни святых и важные моменты христианства, рисуя их на стенах и иконостасе. Нестеров также создал роспись «Путь ко Христу» в Марфо-Мариинской обители, где он представил не святых, а простых людей, что было новым для традиционной русской иконографии. Этот подход позволил передать глубину человеческих чувств и страданий, делая их более близкими зрителю. Искренность и человечность в образах людей на этой росписи стали визитной карточкой стиля Нестерова. Путешествие в Соловецкий монастырь и наследие живописи В 1901 году живописец, стремясь лучше понять духовную жизнь русских монастырей, отправился в поездку в Соловецкий монастырь, расположенный на берегу Белого моря. Там он создал несколько работ, среди которых «Молчание», «Лисичка» и «Тихая жизнь». Эти произведения искусства демонстрируют величественную красоту северной природы и атмосферу монашеской жизни, наполняя зрителя ощущением безмятежности и покоя. Нестеров с мастерством использовал тонкие цветовые переходы, чтобы передать настроение и атмосферу. Михаил Нестеров - Соловки, 1917 г. (фото 8) В поездке в Соловецкий монастырь Нестеров преследовал не только религиозные цели. Он также искал вдохновение для создания масштабного полотна «Святая Русь», которое должно было стать итогом его творческого пути. На полотне изображён Христос, окружённый людьми, обременёнными жизненными тяготами, каждый из которых пришёл к Нему со своей бедой. Картина является гимном заботе и милосердию, проникнута светлым чувством надежды и сострадания. Михаил Нестеров занимает особое место в панораме русского искусства, его творчество прошло сквозь призму глубоких духовных исканий и богатых культурных традиций. Михаил Нестеров - Святая Русь, 1901-1906 г. (фото 9) Как один из ярчайших представителей живописи конца XIX — начала XX века, Нестеров сумел объединить классические элементы иконописи с новыми художественными течениями, формируя индивидуальный стиль, который отражает как наследие, так и новаторства.

3 февраля (ориентировочно) В 1626 году родился Ян СТЕН /полное имя – Ян Хавикзоон Стен/ (в городе Лейден), великий голландский живописец XVII века, непревзойдённый мастер бытового жанра. У него нет парадных сцен, его герои – живые люди с их достоинствами и недостатками. Картины Яна Стена наполнены иронией и юмором, он по праву считается самым весёлым и остроумным художником своего времени. Когда смотришь его картины, кажется, что смотришь добрый, с весёлым юмором, несколько приукрашенный, фильм о жизни простых голландцев того времени, сцены из повседневной жизни, в которых действие происходит в комнатах, на кухне или в таверне. * * * * * Выходец из семьи пивовара и торговца зерном, он рисованию начал учиться у утрехтского живописца Николауса Кюпфера, а позже обучался в Харлеме у Андриана ван Остаде и Дика Халса. Ян Стен, окончив Латинскую школу, в 1646 году поступает в Лейденский университет, но через 2 года присоединяется к Лейденскому обществу художников и гильдии Святого Луки. Позже работает в Гааге в мастерской художника-пейзажиста Яна ван Гоена, на дочери которого он женился. В 1654 году Стен переезжает в Делфт, где отец, желая помочь сыну, арендовал для него пивоваренный завод. Это отвлекало его от работы художника: известно немного картин этих лет. С 1657 года он жил в маленькой деревне Вармонд, недалеко от от Лейдена, а с 1660 года – в небольшом городке Харлеме, где уже ничто не мешало ему полностью отдаться живописи. Через год после смерти жены, умер отец, и в 1670 году Ян Стен поселился в одном из домов их семейства в Лейдене, где и работал до конца жизни. Позднее он получил лицензию на открытие таверны в своём доме. Это давало дополнительный доход, чтобы содержать большую семью. Разнообразие работ художника довольно широкое. Среди жанров, которые разрабатывал Ян Стен, – портрет, религиозный образ и библейские сцены, жанровые и символические картины, пейзаж, бытовая картина. Сам остроумный и весёлый человек, он показывает жизнь и быт голландских бюргеров с преувеличенным юмором: врач и больная девушка, учитель и ученики, дети, отдых простых людей в играх, на праздниках и пирушках. Стоит отметить, что Ян Стен, будучи сыном пивовара и владея собственным кабаком, прекрасно знал, чем живут и как отдыхают обычные люди, трудяги, прожигатели жизни и выпивохи. Юмор его кажется немного грубоватым, но в этом и есть вся красота удивительного почерка Яна Стена. В его картинах нет парадных сцен, нет драматизма. Его герои – живые люди с их достоинствами и недостатками. Стен-юморист – изобразил множество лиц, характеров и поз. Наиболее известны его картины, где художник изображал нижние и средние слои общества, сценки из повседневной жизни, застолья и шумные гуляния («Гуляки», «Кавардак», «Постоялый двор», «Семейство гуляк» и др.). Он оставил после себя великое наследие – около 400 картин. Его работы считаются достоянием мирового искусства, и хранятся в самых известных музеях мира. Скончался Ян СТЕН в конце января (или начале февраля) 1679 года в Лейдене. Все события или #Ваш_День_Рождения_3_февраля #С__

2 февраля В 1616 году родился Себастьян БУРДОН (в Монпелье), великий французский художник, гравер, рисовальщик, один из старейшин французской Академии живописи и скульптуры. Художник обладал талантом и сильной впечатлительностью. Он не раз менял свой стиль, то работал в духе классицизма, то использовал приемы, характерные для барокко, однако его всегда можно отличить по звучности и гармонии цветовых сочетаний, плавности движений, линий, картины наполнены светом и воздухом. Впоследствии искусствоведы назовут такую манеру письма – «Бурдон стиль». * * * * * После долгих мытарств в молодости он попал в Рим, где в то время работали такие мастера как Никола Пуссен, Андреа Сакки, а также Клод Лоррен, который и оказал содействие Бурдону. Молодой художник начинает работать, подражая этим великим мастерам и Караваджо. Его картины успешно покупаются. Наряду с подражаниями Себастьян находит собственную тему, обращаясь к изображению жанровых сцен. После ссоры с неким французом Себастьян в 1637 году вынужден был срочно покинуть Рим, т.к. ему угрожала инквизиция. Некоторое время он проводит в Венеции. Влияние венецианцев ощутимо проявляется в его полотнах, по возвращении написанных в Париже: «Поклонение волхвов», «Смерть Дидоны», «Нахождение Моисея». В мае 1643 было решено расписать Собор Парижской Богоматери. Выбор для росписи храма пал на Себастьяна Бурдона. Этот год считается поворотным годом в творческой карьере художника. Он является автором произведения «Мученичество святого Петра». В 1648 году Бурдон становится одним из основателей Французской Академии Художеств и является одним из 12 выпускников. Глубокое влияние академизма чувствуется в картине «Мученичество святого Андрея». Во Франции в это время неспокойно и ему не поступают заказы. В 1652 году художника приглашает шведская королева Кристина в Стокгольм. Он сразу соглашается. В Швеции Бурдон получает звание придворного живописца королевы, пишет серию портретов Кристины, Карла Х Густава, портреты придворных и офицеров. В портретах мастер сочетает психологизм и официальную пышность. В 1654 году Бурдон возвращается в Париж и через год становится ректором Академии Художеств. Его учениками являются Никола-Пьер Луар и Пьер Монье. Скончался Себастьян Бурдон 8 мая 1671 года в Париже. Все события или #Ваш_День_Рождения_2_февраля #