Всеобщая история искусств и культуры

РАЗВИТИЕ САДОВО-ПАРКОВОГО ИСКУССТВА В ЕВРОПЕ #КАК_ЭТО_БЫЛО_historydocs Садово-парковое искусство стран Европы имеет древнюю историю. Ландшафтное искусство развивалось параллельно с изменениями в живописи, архитектуре и социальными процессами. В течение всей истории в странах Европы существовало два основных типа садов – французский (регулярный) и английский (ландшафтный). Все стили представляли собой соотношение элементов этих двух типов. История садово-паркового искусства на Западе в основном хорошо прослеживается со времен Ренессанса, хотя и раньше было распространено садоводство — достаточно вспомнить вавилонские сады Семирамиды. Регулярные сады Во времена Ренессанса были распространены сады, в которых природа была искусственно подогнана под архитектурный стиль. В саду имелись свои «комнаты» (боскеты), закрытое пространство, ограниченное зеленью, подобно комнатам во дворце, а деревья были подстрижены в форме спиралей, шаров, конусов и орнаментов (топиарное искусство). Этот стиль выражал идею полного господства человека над природой, её подчинение человеку, одновременно выступая как стиль самодержавной власти. Ярчайший пример такого подхода к парковому искусству – парк Версаля, спроектированный садовником Ленотром. В основе этого парка лежала планировка с центральным зданием и лучами, выходящими из центра. Боскеты, примыкавшие к лучам образовывали угловатые, правильные формы. Вместе с причудливым изменением природы под воздействием человека в парковых комплексах появились все симметричные и упорядоченные формы (ряды деревьев и прямые аллеи, живые изгороди, зелёные лабиринты, круглые водоёмы). Регулярность господствует в садах Барокко, Рококо, Классицизма. В основе этого сада лежало ощущение изысканности, восхищения и величия. Вместе с этим существовали и сады «причуд» с зелёными скульптурами и другими необычными вычурными деталями. Сам Ленотр в течение своей жизни не только создал Версаль, но и проектировал необычные эффекты для увеселения короля и его гостей. Английские сады В конце 18 — начале 19 века, вместе с упадком самодержавия изменилась и планировка садовых комплексов. В эпоху романтизма художники создавали изысканные картины с природными пейзажами, которые привлекали внимание мастеров садово-паркового искусства. Часто группы деревьев создавались как копии определённых пейзажей с картин. Вначале предпринимались робкие попытки внесения в парк маленьких участков «естественного» стиля, напоминающего лес. Со временем эти участки становились всё больше, а участки регулярного сада – меньше. Сад, как и человек по представлениям романтиков наделялся свободой. В эту эпоху стало модно устраивать в садах гроты, искусственные ручьи и альпийские горки. Такой сад передавал ощущение задумчивости и грусти, свойственные искусству романтизма. Этому способствовало использование беседок, в которых можно было предаваться размышлениям. Создание пейзажных парков пришло в упадок лишь тогда, когда сад почти утратил черты искусственности. Сады эклектики Во второй половине 19-века в архитектуре господствовала безвкусная эклектика, вызывавшая возмущение у деятелей культуры. Эта безвкусица проникает и в оформление садов. В сад стали вводить элементы шутки и китча. Именно в это время появляется уродливая фигурка фламинго. Ощущение причудливости и странности в таких садах достигает апогея. Самую главную роль при этом играл индивидуальный вкус владельца сада. Вместе с тем стали появляться элементы, незаменимые в современном саду – водяные фейерверки и другие водяные устройства, которые теперь существовали сами по себе, независимо от скульптур и фонтанов. В садах появляются фигурки и современные скульптуры, а беседки принимают более современный вид. Разводить сады становится модно, и сад больше не является привилегией богатейших слоёв общества. Набирают популярность современные газоны (в это же время изобретают газонокосилки). Вместе с этим идёт благоустройство городов. Появились лавочки у подъездов и в парках, беседки и сцены для оркестров. Вместе с увлечением простых людей садами появились профессионалы, изучающие садоводство и дающие советы, периодические издания о садоводстве. Вместе с развитием путешествий в европейских садах появились экзотические растения. Появился тип сада – путешествия, в котором собраны растения определённых стран и климатических зон. Сады модерна В конце 19- начале 20-го века с развитием искусства модерна появляется и сад модерна. Он был необычен тем, что являлся как бы полной противоположностью того же модерна в архитектуре и живописи. В саду модерна господствовали тусклые зелёные и белые цветы (молочай, манжетка). Символика модерна проникает в оформление сада и растения в нём соответствуют растениям на картинах художников того времени (ирисы, сирень, настурция, кувшинки, водяные лилии, мальва, табак, рододендроны, гортензии, ивы). Однако в садах не встретишь той чрезмерности декора и многочисленных извилистых линий, свойственных модерну. Дорожки в садах ар-нуво прямые и сад снова приобретает черты регулярного стиля, однако, в отличие от садов Ленотра, в нём нет открытых помпезных перспектив, а сам сад имеет совсем небольшой размер. В саду господствует чёткое разделение на зоны. Исторический стиль модерн используется и сегодня при оформлении большинства выставочных садов на фестивалях. Сады двадцатого и двадцать первого века Постепенно сад приобретает современный вид. В 20 веке появляются современные модернистские беседки простых кубических форм, которые на Западе сегодня встречаются повсеместно, но практически не используются в России. В конце века в сад проникают экотехнологии. Несмотря на рост городов, садово-парковое искусство продолжает радовать людей. Уход за садом для многих остаётся неотъемлемой частью жизни.

7 февраля В 1741 году родился Иоганн Генрих ФЮССЛИ (в Цюрихе), швейцарский и английский живописец, график, историк и теоретик искусства. Служил пастором, затем учился живописи в Берлине, с 1764 работал в Англии, дружил с Уильямом Блейком. Перевел на английский трактат Винкельмана «Размышления о живописи и скульптуре греков», анонимно издал книгу «Заметки о сочинениях и поступках Жан-Жака Руссо». При несомненном интересе к классической древности и тяге к классицизму иллюстрировал Шекспира, Блейка. В его картинах («Кошмар», 1781; «Спящая и фурии», 1821), заметно пристрастие к мрачно-фантастическим сюжетам, заимствованным из литературы, фольклора и мифологии, гротескному изображению состояний страха и безумия, сверхъестественных существ (демонов, ведьм, призраков). Фюзели считается одним из главных новаторов живописи рубежа XVIII-XIX веков, а его творчество, наряду с творчеством Уильяма Блейка, — ранним проявлением романтизма в английском искусстве. Скончался Иоганн Генрих Фюссли 16 апреля 1825 года в Лондоне.

Музей и художественная галерея Колонна. Палаццо Колонна — один из крупнейших и старейших частных дворцов в Риме. Его строительство началось в XIV веке и было ответом на особое желание семьи Колонна, которая уже проживала там восемь столетий. В XVII веке дворец был преобразован в большую аристократическую резиденцию в стиле барокко. Именно с этого периода датируется строительство Галереи Колонна; ее длина составляет 76 метров, и она представляет собой жемчужину римского барокко, уникальную в своем роде. Там мы обнаруживаем абсолютные шедевры, созданные величайшими итальянскими и зарубежными художниками в период между XV и XVI веками.

Архитектура в стиле Палаццо Стиль палаццо относится к архитектурному стилю 19-го и 20-го веков, основанному на палацци (дворцах), построенных богатыми семьями итальянского Возрождения. Этот термин относится к общей форме, пропорциям и совокупности характеристик, а не к конкретному дизайну; следовательно, он применяется к зданиям, насчитывающим почти двести лет, независимо от даты, при условии, что они симметричные, с карнизами, цоколем и аккуратными рядами окон. Здания 19 века в стиле "Палаццо" иногда называют постройками итальянской архитектуры, но этот термин также применяется к гораздо более богато украшенному стилю, особенно жилых домов и общественных зданий. В то время как ранние здания в стиле палаццо близко соответствовали формам и масштабам итальянских оригиналов, к концу 19 века стиль был более свободно адаптирован и применялся к коммерческим зданиям, во много раз большим, чем оригиналы. Архитекторы этих зданий иногда черпали свои детали из источников, отличных от итальянского Возрождения, таких как романский стиль, а иногда и готическая архитектура. В 20 веке этот стиль был поверхностно применен, подобно стилю возрождения готики, к многоэтажным зданиям. В конце 20-го и 21-м веках некоторые постмодернистские архитекторы снова использовали стиль палаццо для городских зданий. Происхождение Стиль палаццо зародился в начале 16 века, по сути, как стиль возрождения, который, подобно неоклассической архитектуре и готике, опирался на археологические стили архитектуры, в данном случае на дворцы итальянского Возрождения. Итальянские палацци, в отличие от вилл, которые были расположены в сельской местности, были частью архитектуры городов, строились как таунхаусы, первый этаж которых часто служил коммерческими помещениями. Ранние палаццо существуют с романского и готического периодов, но окончательный стиль относится к периоду, начинающемуся в 15 веке, когда многие знатные семьи разбогатели на торговле. Известные примеры включают Палаццо Медичи-Риккарди, построенный Микелоццо во Флоренции, Палаццо Фарнезе, построенный Антонио да Сангалло Младшим и завершенный Микеланджело в Риме, а также Ка'Вендрамин Калерджи работы Мауро Кодусси и Ка'Гранде работы Якопо Сансовино на Большом канале в Венеции. Начало 19 века Самые ранние здания в стиле "Палаццо" настоящего Возрождения эпохи Возрождения в Европе были построены немецким архитектором Лео фон Кленце, который обычно работал в греческом неоклассическом стиле.[1] Лейхтенбергский дворец (1816), вероятно, является первым из нескольких подобных зданий на новой Людвигштрассе в Мюнхене,[2] и имеет рустованный полуподвал и quoins, трехэтажные окна с фронтоном на втором этаже, большой карниз и неглубокий портик с колоннами вокруг главного входа. Стены оштукатурены и расписаны, как в Палаццо Фарнезе. В Англии самое раннее применение стиля Палаццо в 19 веке было в ряде лондонских джентльменских клубов.[3] Затем он был применен к жилым домам, как городским, так и, реже, загородным, а также к банкам и коммерческим помещениям.[3] В конце 19 века стиль Палаццо был адаптирован и расширен, чтобы служить основной архитектурной формой для универмагов и складов. В Англии стиль Палаццо был наиболее чистым во второй четверти 19 века. Он конкурировал со стилем классического возрождения, который включал большие фронтоны, колоннады и гигантские ордена, придавая величие общественным зданиям, которые можно увидеть в Британском музее (1840-е), и более романтическим итальянским и французским ампирным стилем, в котором была построена большая часть домашней архитектуры.[3] Ранними примерами являются лондонские клубы, Athenaeum Club от Децимуса Бертона (1824) и United Service Club от Джона Нэша и Децимуса Бертона (1828) на Ватерлоо-Плейс и Пэлл-Мэлл. В 1829 году Барри инициировал архитектуру Возрождения эпохи Возрождения в Англии своим дизайном в стиле Палаццо для Клуба путешественников, Пэлл-Мэлл.[4] в то время как Бертон и Нэша конструкций обратить на английском Ренессанса такие модели, как Иниго Джонс' в банкетном доме, Уайтхолле и Квинс-Хаус, Гринвич, Барри конструкции добросовестно археологические передать пропорции и формы итальянского Возрождения моделей. Они флорентийские по стилю, а не палладианские. Барри построил второе палаццо на Пэлл-Мэлл, Реформ-клуб, (1830-е), а также Атенеум, Манчестер.[4] Другими крупными эссе Барри в этом стиле являются таунхаус Бриджуотер Хаус, Лондон, (1847-57) и загородный дом Кливден в Бакингемшире, (1849-51).[4] После Чарльза Барри стиль Палаццо был принят для различных целей, в частности для банковского дела. Помещения Белфастского банка были реконструированы сэром Чарльзом Лэньоном в 1845 году. № 15 Кенсингтон Палас Гарденс (1854) Джеймса Томаса Ноулза свободно адаптирует особенности палаццо.[3] с 1850-х по 1900 год Здание Главного почтамта в Сиднее работы Джеймса Барнета выполнено в стиле венецианского Возрождения. 1866-80 Крупным архитектором 19 века, много работавшим в стиле Палаццо, был Эдмунд Блэкет. Блэкет прибыл в Сидней, Австралия, всего за несколько лет до открытия золота в Новом Южном Уэльсе и Виктории в 1851 году. В течение следующего десятилетия он построил головные помещения шести различных банковских компаний в Сиднее, а также филиалы в провинциальных городах. В Сиднее эти редкие образцы ранней архитектуры Блэкета в стиле палаццо, все построенные из местного желтого сиднейского песчаника, были снесены в период с 1965-80 годов, чтобы освободить место для более высоких зданий.[5] С 1850-х годов был спроектирован ряд зданий, расширяющих стиль Палаццо с его рустовкой, рядами окон и большим карнизом, над очень длинными зданиями, такими как Гросвенор-Террас в Глазго (1855) Дж. Т. Рошида и Watts Warehouse (Britannia House), Манчестер, (1856) Трэвиса и Магналла, "виртуозное исполнение" в дизайне Палаццо.[3] Начиная с 1870-х годов многие городские здания были спроектированы так, чтобы напоминать венецианские, а не флорентийские палаццо, и были более богато украшены, часто с аркадными лоджиями на уровне улицы, как здание Главного почтамта Джеймса Барнета в Сиднее (1866 и 1880-е годы). Стиль палаццо был чрезвычайно популярен в Манчестере в Соединенном Королевстве, особенно в работах Эдварда Уолтерса, чьи лучшие работы в стиле Палаццо включают Зал свободной торговли (1853) и Мосли-стрит, 38 и 42 (1862). Стиль палаццо нашел более широкое применение в конце 19 века, когда его адаптировали для торговых зданий. Генри Хобсон Ричардсон спроектировал ряд зданий, используя форму палаццо, но примечательных использованием итальянского романского стиля, а не ренессанса. Крупнейшим и наиболее известным из таких произведений был оптовый магазин Маршалла Филда в Чикаго (1885, снесен в 1930), который своими большими окнами, обрамленными аркадами, демонстрирует направление, в котором должна была развиваться коммерческая архитектура, при замене конструктивных внешних стен сетчатыми стенами, защищающими внутреннее структурное ядро.[6] Только одно из коммерческих зданий Ричардсона в стиле палаццо осталось нетронутым, Хейден Билдинг в Бостоне. Американский архитектор Луи Салливан первым применил конструкцию из стального каркаса, что означало, что и полы, и внешние стены здания поддерживались внутренним стальным каркасом, а не конструкцией стен. Это технологическое развитие позволило построить гораздо более высокие жилые здания, чем было возможно ранее. Sullivan's Prudential (Гарантия) Здание в Буффало и Уэйнрайт Билдинг в Сент-Луисе демонстрируют применение стиля Палаццо к высотным сооружениям, которые сохраняют ренессансные черты карниза и дифференцированного цоколя, но имеют похожие на скалы стены, состоящие в основном из стекла, ряды окон разделены вертикальными полосами, которые также определяют углы здания, создавая эффект, аналогичный quoins.[6] Начало 20 века Здание Министерства авиации рейха, Берлин, (1935-36) Эрнста Сагебиля Архитектура в стиле палаццо оставалась обычной для крупных универмагов на протяжении первой половины 20 века, иногда с элементами ар-деко. Архитекторы Старретт и ван Флек построили несколько типичных примеров, таких как братья Гимбел (ныне Хайнц 57, Центр Шестой авеню) в Питтсбурге в 1914 году, а также Гарфинкелс (ныне Гамильтон-сквер) в Вашингтоне, округ Колумбия в 1929 году. Последнее здание высотой в восемь этажей имеет ярко выраженный изгиб, который выступает наподобие карниза над третьим уровнем, что придает нижним частям здания более традиционный масштаб Палаццо, чем менее украшенным уровням, возвышающимся над ним. Флагманский магазин Rich's 1924 года, когда-то один из главных универмагов Атланты, является еще одним примером стиля Палаццо.[7] Этот стиль также применялся к гораздо более высоким зданиям, таким как здание Справедливости (1915), спроектированное Эрнестом Р. Грэмом, 38-этажное офисное здание в Нижнем Манхэттене, которое является знаковым инженерным достижением в качестве небоскреба.[8] В 1930-е годы в Берлине был построен ряд правительственных зданий для Третьего рейха по проекту Эрнста Сагебиля в урезанном стиле палаццо, который сохраняет цоколь и карниз, но почти лишен декоративных деталей, полагаясь для эффекта на общую пропорцию и баланс простых прямоугольных компонентов. Министерство авиации рейха (ныне Министерство финансов), построенное в 1935-36 годах, является ярким примером. С развитием современной архитектуры стиль Палаццо стал менее распространенным. ГДЕ И КОГДА ПОЯВИЛИСЬ ПЕРВЫЕ ПАЛАЦЦО И ЧЕМ УНИКАЛЬНЫ ИХ АРХИТЕКТУРА И ИНТЕРЬЕР #МИР_ВОКРУГ_НАС_historydocs Слово «палаццо» в переводе с итальянского означает «дворец». Городской дворец-особняк XV-XVIII веков, характерный для итальянского Возрождения, получил свое название от Палатинского холма, где древнеримские императоры возводили свои дворцы. Первые городские особняки появились в XV веке в основном во Флоренции. Работу по их проектированию и возведению проводили архитекторы Ф. Брунеллески, Микелоццо ди Бартоломмео, Л. Б. Альберти, Бенедетто да Майано, Арнольфо ди Камбио. Классический палаццо – это 3-х, реже 2-х или 4-х этажное здание, фасад которого выходит на улицу. Композиционным центром является внутренний двор, обнесенный арочными колоннадами. На первом этаже расположены служебные помещения. На втором – парадные помещения, на третьем – жилые. Самые ранние палаццо отличаются замкнутостью, суровостью внешнего облика, сохраняют многие черты средневекового замка. Палаццо Рима, Генуи, Венеции имели свои архитектурные отличия. Особенно славились палаццо Флоренции. В 1298 году правители Флоренции решили построить новую ратушу, соответствующую высокому статусу города. Дворец возвели в 1299 году по проекту известного архитектора Арнольфо ди Камбио, который создал его мощным и нерушимым. Палаццо Веккьо, старый дворец на площади Пьяцца Синьория, – важнейшее общественное здание Флоренции на протяжении многих веков. Сегодня большую часть здания занимает музей, в нем работают и муниципальные власти, это ратуша. Старинный мрачный замок в центре оживленного и яркого города напоминает надежную крепость, хотя это правительственная резиденция. Чтобы скрыть чрезмерную мрачность дворца, архитектор декорировал его изящными арками. Здание имеет необычный для светской архитектуры облик. Построенное в виде прямоугольника, оно представляет собой оборонительный форт со сторожевой башней и мощными зубчатыми стенами. Городские власти в то время опасались внезапных вторжений, поэтому дворец имел столь внушительный вид. Фасад палаццо Дворец выглядит монолитным, будто вырубленным из одного куска скалы. Строгие черты внешнего облика без особых изысков. Стены трехэтажного здания сложены из обычного красного кирпича. Нижний уровень не имеет украшений: он использовался для защиты от врагов. Фасад прорезан двумя рядами арочных окон. Тонкие карнизы зрительно четко делят его на три блока. Окна второго этажа более широкие, оконные проемы разделены переплетами. Все это придает дворцу более светский облик. Зубчатую стену по периметру здания поддерживают арочные карнизы. В нишах под арками – 9 гербов, принадлежащих правителям флорентийской республики. Над ними – ряд окон-бойниц, которые служили для обороны замка: через них можно было выливать на врагов раскаленное масло и смолу. Над главным входом – изящный синий фронтон с монограммой Иисуса и двумя золотыми львами, которые дали название входу в ратушу «Львиные ворота». По углам установлены статуи Давида и Геркулеса. В 1478 году на окнах палаццо Веккьо были казнены заговорщики во главе с Франческо Пацци, пытавшиеся свергнуть власть Медичи. После этого за дворцом закрепилась мрачная слава. Особую величавость незамысловатому палаццо придает увенчанная зубцами башня, высота которой равна 94 метрам. Строение почти до самого верха построено без окон. В ней находились камеры для заключенных. Верхушка башни увенчана ажурной башенкой, а фасад украшен часами работы Джордано Ледерле. Установленные в 1667 году, часы исправно показывают время до сих пор. Старый замок с выдающейся вверх часовой башней – один из узнаваемых символов Флоренции. За мрачными кирпичными стенами дворца скрывается пышное убранство залов. Все фрески внутри здания окаймлены позолотой. Внутренние дворики и коридоры обставлены прекрасными скульптурами и фонтанами. Много работ в интерьере выполнено знаменитым Микельанджело. Каждый зал оформлен по-своему в индивидуальном стиле. Сразу за Львиными воротами начинается уютный внутренний дворик. Его пол оформлен каменными плитами, по периметру – массивные колонны с ажурной резьбой. Стены и потолок украшены живописью. В центре двора – чаша фонтана с Амуром. Небольшие апельсиновые деревья растут в кадках, расположенных вдоль стен. Этот уютный романтичный дворик создан в честь свадьбы Франческо Медичи, герцога Тосканы, с Иоанной. Кстати, этот брак оказался неудачным. За 12 лет брака нелюбимая жена герцога родила 8 детей и умерла в возрасте 32 лет. Внутренний уютный дворик ведет в Зал Пятисот. Это огромное помещение длиной 52 метра и шириной 23 метра. Стены и своды зала покрыты фресками со сценами сражений. Прекрасный кассетный потолок расписан батальными сценами в жанре «подвигов Геракла». Рисунок 7. Интерьер Именно здесь заседал большой совет в составе 500 человек. В нишах, расположенных по периметру зала, статуи Пап, бывших в дружеских отношениях с династией Медичи. За огромным залом Пятисот – небольшая комната, в которой Козимо Медичи, один из правителей, оборудовал свой кабинет, где много картин и статуэток. Герцог с разносторонними интересами использовал его как лабораторию, студию, сокровищницу. На стенах под многими из картин скрываются тайники. Более жизнерадостно оформлены залы второго этажа. Наиболее красивый из них – зал Лилий. Вход в него отделан мраморными плитами. Оригинально оформлен потолок: на нем множество золотистых сот с голубой сердцевиной и золотой лилией внутри ее. На стенах по всей высоте – фрески с библейскими сюжетами, портреты важных персон Римской Империи в шикарных рамах. В Зале Стихий представлены аллегории Элементов Воды (Рождение Венеры), Земли (Первые плоды Земли и Сатурн), Огня (Кузница Вулкана), а потолок украшен аллегорией Воздуха, с Сатурном в центре. Между окнами — Меркурий и Плутон. Камин спроектировал Амманнати. Очень интересная роспись стен. Казимо Медичи заказал оформление апартаментов Джованни Баттиста дель Тассо (1500—1555), однако, из-за его смерти работа была выполнена Вазари — впервые получившего заказ от Медичи. На крыше дворца – терраса Сатурна, откуда можно любоваться великолепной Флоренцией. А на юге Мантуи, древнего города Италии в регионе Ломбардии, расположен кусочек рая на земле - палаццо дель Те . В переводе с итальянского дель Те обозначает «разъединенный». Раньше дворец стоял на маленьком островке посреди канала, соединяющего два озера. Со временем канал засыпали, остров дель Те стал частью общей суши, а название сохранилось. Сразу же после постройки палаццо дель Те, в 1534 году, слава о нем прогремела по всей Италии и Европе. В чем причина такой популярности? Дворец невелик по размерам, стоит на отшибе, в низине. Построен герцогом Федерико II на месте конюшен отца, страстного коннозаводчика, который выращивал здесь знаменитых на всю Европу скакунов. Популярность вовсе не случайна потому, что от неприметного на первый взгляд здания кружится голова. Двадцать с лишним расписанных комнат «взрывают» изнутри скромное снаружи палаццо. В здании нет ни одной детали, ни одного помещения, которое бы не было сделано по контрасту с другим. Контрасты ошеломляют. Человек, сотворивший это, хотел быть непредсказуемым, и добился этого. Звали его Джулио Романо, это был любимый ученик Рафаэля. Дель Те – настоящее воплощение райского сада для тонких наслаждений души, а не для грубых удовольствий тела. Все работы, до самых мельчайших деталей, совершались под личным руководством Романо. Во дворце 20 залов и 2 лоджии. Восточная лоджия выходит во внутренний сад, а северная – в открытый парк. Каждый зал расписан индивидуально и абсолютно не похож ни на какой другой. Самый знаменитый из них – Зал Гигантов. В Зале Гигантов представлена борьба титанов против Юпитера и олимпийских богов. Фигура мечущего молнии Юпитера прорезает клубящиеся облака. Внизу – разверзшийся от сотрясений Тартар, глубочайшая бездна, куда Зевс низвергнул титанов. Они падают в провалы, погибая под огромными обломками скал. Отчаянные жесты, корчащиеся тела выражают боль и безысходность. Этому огромному немому отчаянию вторят резкие кричащие краски. Зал Амура и Психеи расположен строго симметрично залу Гигантов. Это две крайние точки крыла дворца, соединенные анфиладой комнат. Зал Амура и Психеи подробно иллюстрирует историю их любви. Взволнованное воображение успокоит расположенный рядом небольшой сад с фонтаном. В Конском зале росписи посвящены лошадям. ...Знаменитые постройки-дворцы по сей день украшают итальянские города, особенно славится ими Флоренция. Интерес к палаццо не ослабевает и в наши дни. Владение таким особняком или виллой в подобном стиле – показатель успешности и респектабельности. Тысячи итальянцев приобретают и реставрируют старые постройки. После реставрации они выглядят по-прежнему роскошно и сочетают представление о старине и комфорте.

6 февраля В 1801 году родился Григорий Игнатьевич ЛАПЧЕНКО (в селе Валява, Городищенский район, Российская империя; ныне Черкасская область, Украина), русский исторический живописец, портретист, академик Императорской Академии художеств. * * * * * Сын казака, он учился в Корсуни у иконописца С. Преволоцкого, затем в Белой Церкви у Я. Никитина. Его рано проявившийся талант к рисованию был оценен графом М.С. Воронцовым, который содействовал получению Григорием Лапченко систематического художественного образования. В 1822 году юноша поступает в Академию художеств, где под руководством А. Иванова окончил с золотой медалью класс исторической живописи. В 1829 году молодой художник представил Совету Академии программу «Киевлянин, дающий Претичу весть о печенегах» (в Третьяковской галерее). Совет постановил наградить программу Большой золотой медалью, дающей возможность пенсионерской поездки за границу. Вместе с А. Ивановым Лапченко отправился в Рим (за счёт графа М.С. Воронцова), исполнять копии с произведений итальянских художников. В 1839 году его картина «Женщина с хлебной корзиной» была приобретена цесаревичем Александром Николаевичем. В 1839 году Григорий Игнатьевич женился на известной натурщице Виттории Кальдони, которую изобразил на картине «Сусанна и старцы». За эту работу он был удостоен звания академика. С 1834 года художник стал терять зрение, а после возвращения на родину он почти полностью ослеп. Граф Воронцов пристроил его управляющим имением в деревне Мошны Киевской губернии. В поисках работы живописец жил с женой в Киеве и Одессе, в 1870-е годы переехал к сыну в Динабург, а затем в Петербург. Скончался Григорий Игнатьевич ЛАПЧЕНКО 28 марта 1876 года в Петербурге, похоронен на Преображенском кладбище.

ИЗБРАННЫЕ ЦИТАТЫ ОБ ИСКУССТВЕ ВЕЛИКОГО КРИТИКА ДЖОНА РЁСКИНА Высшая цель искусства состоит в том, чтобы дать верный образ благородного человеческого существа; большего оно никогда не достигало, а меньшим оно не должно удовлетворяться. Наибольший результат в работе получается, когда побудительная сила, то есть воля и энергия человека, достигает наибольшей мощи в силу своего собственного пламени, а именно, своих симпатий. Школа великого искусства определяется не только избранием сюжета, но и надлежащим отношением к нему; всякий художник, достойный подвизаться на таком высоком поприще, прежде всего должен выражать духовную жизнь изображаемых лиц. Из всего, что создано природой для человеческого взора, самый священный и торжественный дар — цвет. Хороший цвет не может быть ярким и опрометчиво веселым. Самые прекрасные цвета меланхоличны; а особенной любовью к цвету отличаются люди самые чистые и вдумчивые. Искусство не должно ни изменять, ни вразумлять природу, оно должно выискивать прекрасные и светлые её стороны; любовно воспроизводить красоту их всеми средствами, какие находятся в его распоряжении, и направлять к ней мысли зрителя, силой чарующей своей прелести или кроткого вразумления. Легко управлять кистью и писать травы и растения с достаточной для глаза верностью; этого может добиться всякий после нескольких лет труда. Но изображать среди трав и растений тайны созидания и сочетаний, которыми природа говорит нашему пониманию, передавать нежный изгиб и волнистую тень взрыхленной земли, находить во всём, что кажется самым мелким, проявление вечного божественного новосозидания красоты и величия, показывать это немыслящим и незрящим — таково назначение художника. Пусть будет это для вас руководящей истиной во всяком добром труде, источником здоровой жизненной энергии: ваше искусство есть прославление того, что вы любите. Оно может быть прославлением камня или морской раковины, прославлением героя или прославлением Бога; высота, на которой вы стоите наряду со всем живущим, определяется высотою и величием того, что вы любите. В прежние времена люди использовали свои достижения в живописи, чтобы показать объекты веры; в более поздние времена они стали использовать объекты веры, чтобы показать свои умения в живописи. Добыть хорошее искусство можно только одним путём, самым простым и в то же время самым трудным, а именно - любить его. *иллюстрации - живописные работы Рёскина

10 ВЕЛИКИХ СКУЛЬПТОРОВ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ Скульптура эпохи Возрождения понимается как процесс восстановления жанра скульптуры классической античности. Скульпторы считали художественные находки античной эпохи идеальным источником вдохновения для своих работ. Возрождение античности с отказом от средневековья и признание классики со всеми её вариантами и нюансами было явлением почти исключительно развитым в Италии. Искусство Возрождения сумело интерпретировать Природу и вольно и со знанием дела перевести её в великое множество шедевров. Расскажем о десяти самых, на наш взгляд, значительных скульпторах эпохи Возрождения. 1. Никколо Пизано Настоящее имя неизвестно (около 1220 — между 1278 и 1284 [прожил 60-63 года]) — архитектор и скульптор Проторенессанса, основатель школы итальянской скульптуры. Отец скульптора и архитектора Джованни Пизано. Родился в Апулии, позже работал в Тоскане, Лукке, Пизе, - в честь которой и получил своё имя. Около 1255 года Пизано получил заказ на кафедру для баптистерия в Пизе. Работу выполнял с несколькими помощниками. Эта первая подписанная скульптором работа считается одним из его шедевров, в ней Пизано удалось сочетать библейские сюжеты и мотивы классического позднеримского стиля. Также особенно известна его кафедра для Сиенского собора. 2. Джованни Пизано Джованни Пизано (итал. Giovanni Pisano) (ок. 1250 – ок. 1315 [прожил около 65 лет]) — итальянский скульптор и архитектор. Сын и ученик Никколо Пизано, один из деятелей Проторенессанса, он стал гораздо более известным скульптором, чем его отец. Стиль Джованни Пизано отличается большей свободой и динамичностью, он показывает фигуры в движении и использует различные средства драматизации, его скульптурам присущи резкие повороты и угловатые очертания. Джованни работал вместе с отцом, и при его участии была создана кафедра для городского собора в Сиене, а также фонтан Фонте Маджоре в Перудже. Первая самостоятельная работа Пизано — скульптурная декорация фасада пизанского баптистерия (1278—84). Впервые в Тоскане монументальная скульптура была органично включена в архитектурный проект. Необычайная живость пизанских скульптурных изображений являет собой противоположность спокойной безмятежности скульптур его отца. В 1270—1276 годах Пизано посетил Францию. В большинстве его произведений заметно влияние искусства французской готики. 3. Донателло Донато ди Никколо ди Бетто Барди (годы жизни 1386-1466 [прожил 80 лет]) – считается крупнейшим ваятелем периода кватроченто. Родился во Флоренции, в Риме изучал классическую скульптуру, что определило всю его дальнейшую карьеру. Он создал одни из первых полноценных скульптур эпохи Возрождения в истории, в ранних работах можно отчётливо увидеть переход от готического искусства к ренессансному. Донателло работал с самыми разными материалами, включая камень, бронзу, дерево, глину, лепнину и воск. Он разработал особый тип низкого барельефа, который часто украшал большие памятники. Донателло был сподвижником Брунеллески, но если тот представлял интеллектуальную и идеализирующую тенденцию, то Донателло являл драматическую и реалистическую. 4. Микеланджело Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (годы жизни 1475-1564 [прожил 89 лет]) – был одним из многочисленных эрудитов, живших в эпоху Возрождения. Его смело можно назвать универсальным человеком, потому как он преуспел во многих областях искусства. Микеланджело более всего любил работать с мрамором, именно из мрамора он создал одни из самых удивительных скульптур из когда-либо сделанных человечеством. Его скульптура «Пьета» и огромная статуя «Давида» входят в число величайших мировых сокровищ. Ещё при жизни ему дали прозвище «Божественный». 5. Андреа дель Верроккьо Андреа дель Верроккьо, настоящее имя которого Андреа ди Микеле Чони (годы жизни 1435-1488 [прожил 53 года]) – всемирно известен как один из первых учителей и наставников Леонардо да Винчи. В основном Верроккьо знали как скульптора, но также он был и опытным живописцем, считался непревзойденным декоратором и режиссёром придворных празднеств. В 1465 году он создал надгробие Козимо Медичи (1389—1464). В 1467—1483 годах работал над скульптурной композицией «Уверение Фомы (Верроккьо)» для церкви Орсанмикеле. По легенде, Леонардо, будучи учеником, позировал учителю для статуи Давида (1476), на лице которого играет своеобразная полуулыбка, впоследствии ставшая отличительной особенностью стиля художника. 6. Филиппо Брунеллески Филиппо Брунеллески (годы жизни 1377-1446 [прожил 69 лет]) –учёный, архитектор, скульптор, инженер, математик и геометр, художник-ювелир и декоратор эпохи Возрождения. Наряду с Леоном Баттистой Альберти является создателем новой европейской архитектуры, однако, в отличие от Альберти, своего младшего современника, опиравшегося на памятники Древнего Рима, Брунеллески следовал северо-итальянской, тосканской традиции. В свободное от других дел время он успел создать несколько шедевров скульптуры Брунеллески создал несколько статуй из дерева и бронзы. Жизнь сталкивала Брунеллески в соперничестве с Донателло, отчего Брунеллески позже оставил скульптуру ради архитектуры. Некоторые из его самых известных работ находятся внутри Кафедрального собора Святого Зенона, что в итальянском городе Пистойя. 7. Лоренцо Гиберти Лоренцо Гиберти, настоящее имя которого Лоренцо ди Бартоло (годы жизни 1378-1455 [прожил 77 лет]) – флорентийский скульптор, большую часть времени творил в своём родном городе. 1401 год - важная дата в развитии скульптуры: во Флоренции объявлен конкурс на изготовление северных ворот Флорентийского баптистерия. Несколько десятков лет Гиберти работал над бронзовыми дверями и выиграл конкурс. Главным его соперником в конкурсе был Брунеллески, тоже представивший свою версию ворот. Микеланджело назвал эти двери «Вратами Рая». Безусловно, они являются самой известной работой мастера, впоследствии двери были воспроизведены и в других городах нашей планеты (копию можно увидеть и в России, в Казанском соборе в Санкт-Петербурге). 8. Нанни ди Банко Джованни ди Антонио ди Банко, прозванный Нанни ди Банко (итал. Giovanni di Antonio di Banco detto Nanni di Banco; ок. 1384 -1421, родился и умер во Флоренции) — итальянский скульптор периода кватроченто эпохи итальянского Возрождения флорентийской школы. Вместе с Донателло считается одним из главных мастеров, совершивших переход от готических традиций к новой, ренессансной манере. Его произведения «характеризуются сдержанной, но прекрасно видимой энергией и жизненной силой». Нанни ди Банко принадлежит авторство трёх основных скульптурных групп церкви Орсанмикеле. Нанни ди Банко работал вместе с Донателло по украшению статуями и рельефами флорентийского Собора, одновременно содержал собственную скульптурную мастерскую во Флоренции. 9. Бенвенуто Челлини Бенвенуто Челлини (годы жизни 1500-1571 [прожил 71 год]) – был довольно противоречивым творцом позднего Возрождения. Дабы избежать тюремного заключения, ему пришлось несколько раз убегать из одного города и селиться в другом. Именно поэтому он сначала оказался в Риме (столица Италии), а потом и вовсе очутился во Франции. Именно в новой для себя стране для короля Франции – Франциска I – он создал «Солонку Челлини» (1540-1543 годы). Это тонкое произведение искусства свидетельствует о его ещё и ювелирном таланте. Вернувшись в родную Флоренцию, он навсегда сделал себе имя произведением под названием «Персей с Головой Медузы» (1545-1554 годы). 10. Лука делла Роббиа Лука делла Роббиа (годы жизни 1399-1482 [прожил 83 года]), флорентийский скульптор, ювелир и мастер-керамист периода кватроченто, которого историограф Джорджо Вазари назвал изобретателем глазурованной расписной керамики — майолики. Произведения семейной мастерской Луки, его племянника Андреа и сына Андреа — Джованни делла Роббиа во Флоренции сыграли важную роль в архитектуре, скульптуре и искусстве цветного глазурованного керамического рельефа тосканского Возрождения. Современник выдающихся скульпторов этой эпохи, таких как Донателло и Лоренцо Гиберти, Лука делла Роббиа смог по-своему воплотить новую эстетику ренессансного искусства в полихромной глазурованной керамике, хорошо сочетающейся с архитектурой. . Его наиболее заметной работой здесь является хоровая галерея или же «Кантория» во Флорентийском Кафедральном соборе. Над этим шедевром мастер трудился целых семь лет – в период с 1431 по 1438 годы.