Smooth & Quiet

Все художники надеются добиться славы при жизни. Художник Джон Сингер Сарджент был среди тех, кому удалось заслужить признание публики — в конце 19-го и начале 20-го века немногие из художников были более востребованы, чем он. Американская и английская элиты того времени заказывали портреты у Сарджента, так как их привлекала естественность и теплота отношения художника к каждому предмету. Его нередко причисляют к импрессионистам, хотя образцами для него всегда оставались Веласкес, Гейнсборо, Ван Дейк (Роден даже назвал его, не без иронии, Ван Дейком нашего времени). Художник скончался в возрасте 69 лет, оставив впечатляющее портфолио своих работ: 900 картин маслом и более 2000 акварелей (в дополнение к переполненым этюдами альбомам, богатым наблюдениями из его путешествий). Несмотря на то, что Сарджент является одним из наиболее известных портретистов, он нечто большее, чем просто совокупность его светских картин. КЕМ БЫЛ ДЖОН СИНГЕР САРДЖЕНТ? Джон Сингер Сарджент родился в янва

В первую очередь, Анри Матисс наиболее известен в качестве художника, который исключительно владел цветом. Однажды он сказал, что "один тон сам по себе — это всего лишь один цвет", в то время как "два тона — это аккорд", который определяет саму жизнь. Его богатое и уникальное исследование цвета и формы было представлено на большой выставке в Фонде Бейелера в Швейцарии. Эта выставка также вдохновлена знаменитой поэмой Шарля Бодлера "Приглашение к путешествию". Ретроспектива "Матисс: Приглашение к путешествию" — первая ретроспектива художника в немецкоязычном мире за последние 20 лет. Это значимое событие отражается и в монументальном масштабе выставки, где будет каталогизированна вся шестидесятилетняя творческая карьера Матисса. Что отличает эту ретроспективу от предыдущих, так это фокус на путешествии не только физическом, но и мысленном — это визуальное повествование, рассказывающее о путешествиях Матисса по миру, а также о его путешествиях по различным стилям, цветовым палитрам

Первая часть этой статьи получила немалый отклик и интерес к данной теме, поэтому, предлагаю продолжить знакомиться с драматическими произведениями барокко. Первая часть доступна по ссылке: ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС, "СУД ПАРИСА", ОК. 1636 ГОДА "Суд Париса" Рубенса изображает мифологическую историю, где Парис должен выбрать самую прекрасную из богинь — Геру, Афину или Афродиту. Этот сюжет был популярен среди художников как способ исследовать женский идеал и красоту. В данном случае Рубенс изображает разворачивающееся повествование в своем чувственном стиле, ведя взгляд зрителя по холсту линией позирующих фигур. ЖОРЖ ДЕ ЛА ТУР, "КАЮЩАЯСЯ МАГДАЛИНА", ОК. 1640 ГОДА Французский художник Жорж де Ла Тур лучше всего запомнился своими трогательными работами с изображением горящих свечей. "Кающаяся Магдалина" демонстрирует стиль художника - упрощенное изображение Магдалины, сложившей руки над черепом, который символизирует "memento mori", и смотрящей в сторону неосвещенной стены. Миниатюрные ист

Микеланджело Меризи, более известный как Караваджо, оказал огромное влияние на искусство барокко. Художник прожил недолго (он умер в 1610 году в возрасте 38 лет), но за свою жизнь он создал шедевры (каждый из которых демонстрировал мастерское владение светом, движением и эмоциями), которые навсегда вошли в историю искусства. Однако, как странно это ни звучало бы, биографы Караваджо единогласно говорят о том, что художник никогда не был известен в качестве портретиста. И именно этот факт делает первую в истории выставку портрета Маффео Барберини кисти Караваджо такой невероятной. Портрет был завершен в начале 1600-х годов, на нем запечатлен монсеньор Маффео Барберини, сын флорентийского дворянина, который в 1623 году был коронован как Папа Урбан VIII. Барберини пристально смотрит в левую сторону, его левая рука сжимает письмо, а правой он указывает в том же направлении, куда направлен его взгляд. Портрет монсеньора Маффео Барберини десятилетиями находился в частной коллекции во Флор

После того, как Возрождение и Маньеризм начали угасать, XVII век принёс новое художественное движение, пропитанное драматизмом и величием, названное в честь португальского термина, обозначающего жемчужину неправильной формы — барокко. Художники эпохи барокко, такие как Караваджо и Рембрандт, создавали поразительные композиции, подчеркивая контраст между светом и тенью. Другие художники добивались театральных эффектов используя Библейские и мифологические сюжеты. В этой статье расскажу о знаковых шедеврах, которые в совокупности иллюстрируют драматизм этого периода и различные подходы, которые использовали художники для его достижения. КАРАВАДЖО, "ПРИЗВАНИЕ СВЯТОГО МАТФЕЯ", 1599–1600 ГОДЫ "Призвание святого Матфея", которое можно воочию увидеть в часовне Контарелли в Риме, остается одной из самых известных картин Караваджо. Неформальное, естественное изображение фигур было огромным сдвигом против идеалов маньеризма. Одетые в современную одежду персонажи кажутся взятыми из жанровой

На протяжении столетий художники считали художников эпохи Возрождения мастерами своего дела. Винсент Ван Гог называл скульптуры Микеланджело "великолепными", а в своих ранних работах Пабло Пикассо подражал стилю Рафаэля. Даже сюрреалист Сальвадор Дали описывал Ренессанс как результат "божественного гения". Сложно поверить, что кто-то мог не любить или не восхищаться искусством эпохи Возрождения. Однако в XIX веке группа начинающих художников в Англии основала Братство прерафаэлитов, тайное общество, призванное отказаться от идеалов искусства Возрождения и создавать свои собственные. КТО ТАКИЕ ПРЕРАФАЭЛИТЫ? Прерафаэлиты - группа художников и поэтов, живших и работавших в викторианской Англии, основанная Уильямом Холманом Хантом, Джоном Эвереттом Милле и Данте Габриэлем Россетти в 1848 году, в качестве противостояния идеалам, популяризированным в эпоху Высокого Возрождения. В частности, Хант, Милле и Россетти считали, что искусство переживало свой золотой век до Рафаэля — художника, к

В 19 веке в Европе возникло несколько крупных художественных течений, а в частности реализм и импрессионизм. Эти два направления кардинально различались по стилю и техникам, но гармонично сливались в творчестве одного из важнейших художников истории искусства — Эдуарда Мане. Новаторские работы Мане стирают границы между различными течениями, а всемирно известная "Олимпия" служит ключевым примером. С современной точки зрения "Олимпия" воспринимается важным предшественником современного искусства. Однако, когда Мане представил эту работу на престижном парижском салоне, ее сюжет и стиль вызвали беспрецедентный ажиотаж. По иронии судьбы, именно этот скандал сыграл решающую роль в будущей славе картины и помог Мане прославиться. РАННИЕ РАБОТЫ МАНЕ Французский художник Эдуард Мане начал свою карьеру художника в Париже в 1850 году. В то время он работал в студии академического художника Тома Кутюра, копируя шедевры Лувра. Неудивительно, что сюжетами для ранних работ Мане служили, как пра

Искусство имеет многовековое наследие и на протяжении всего времени определенные сюжеты находили больший отклик у художников и зрителей. Цветы и другие ботанические изображения, уходящие корнями в древнее искусство и по-прежнему распространенные сегодня, можно увидеть на многих самых значимых произведениях, будь то высеченые из мрамора или играющие главную роль в натюрморте. ДРЕВНИЙ ЕГИПЕТ В древнеегипетской мифологии цветок лотоса символизировал солнце и имел тесную связь с концепцией создания и возрождения. Упрощенный и стилизованный мотив лотоса часто использовался для украшения художественных объектов, включая картины на папирусе, амулеты и керамику. В дополнение к декоративному искусству египтяне также использовали цветы в качестве материала. Например, в гробнице Тутанхамона среди его многочисленных сокровищ были найдены различные ожерелья-воротники из окрашенного льна и сухоцветов, включая подсолнухи, васильки, маки и голубые лотосы. ИСКУССТВО СРЕДНЕВЕКОВЬЯ Цветочные моти

В то время как многие художники выражают свою принадлежность к какому-то одному определенному художественному движению, Эдуард Мане — художник, которого невозможно привязать к конкретному стилю. Он прославился своими новаторскими работами, которые проложили мост между реализмом и импрессионизмом. Его последняя крупная работа, написанная за год до смерти, "Бар в Фоли-Бержер", является кульминацией его уникального (и для некоторых спорного) подхода к живописи. КЕМ БЫЛ ЭДУАРД МАНЕ? Эдуард Мане (1832-1883гг) начал свою художественную карьеру с изучения работ мастеров живописи, которые были известны своими экспрессивными работами и использованием цвета — Диего Веласкеса и Франсиско Гойи. Когда Мане только начинал создавать свои собственные произведения в конце 1850-х годов, движение реализма все еще было достаточно популярно в Париже, поэтому ранним его работам присущи черты именно этого стиля живописи. Но с опытом и развитием своего собственного художественного почерка, живопись Мане